Portafolio de Nerea Acosta

Al iniciar con la materia, se nos lanzó la pregunta acerca de cuál había sido nuestro recorrido artístico hasta ese mismo momento, y yo, personalmente, no consideraba que mis profesoras lo hubieran hecho excesivamente mal, pero ahora que ha finalizado la asignatura, sí que he percibido muchos errores que yo, como futura docente, intentaré subsanar para que los alumnos valoren Educación Plástica como una asignatura más, y no como una hora de relajación; o una asignatura con carácter manual. (Maíllo Cascón, F. 2022). 

Centrándome sobre todo en Primaria, mis profesoras nos hacían comprar un libro que incluía actividades en las que había que imitar dibujos famosos, o partir desde la mitad del dibujo hecho. Ahora que lo pienso, esas actividades lo único a lo que nos ayudaban, era a recrear un modelo ya establecido, así como a aprender los estereotipos artísticos que se han considerado canónicos, pero yo creo que si algo he aprendido con esta asignatura, es que saber recrear estos estereotipos no te hace un buen artista, sino que te hace un buen imitador. Está bien tener una referencia, pero en mi opinión, es necesario dejar volar la imaginación y confiar en tus capacidades e ideas. A lo largo de las sesiones prácticas de esta materia, no hemos aprendido esencialmente a dibujar como tal, sino que, utilizando diversas técnicas, materiales, soportes y referencias, hemos plasmado en el papel nuestras ideas de la manera que nosotros hemos querido representarlas. En toda ocasión hemos tenido libertad y, sobre todo, hemos potenciado y explotado nuestra capacidad expresiva mediante el arte.

Asimismo, he de decir que mis profesoras, calificaban nuestras láminas y manualidades en función a cómo de bien hechas estaban, bajo el criterio de las docentes. Es decir, si el dibujo que habías hecho se parecía a lo que en el libro figuraba como referencia, obtenías una mayor nota que no alguien que hubiera recreado el dibujo peor. En esta asignatura, nunca se nos ha dicho que lo que estábamos haciendo estuviera bien o mal; nunca ha estado centrada en destacar esos elementos, sino que buscaba que “desaprendiéramos” esos modelos de copia que nos habían inculcado en Primaria.

Como objetivo y expectativas de lo que buscaba en la asignatura, mencioné lo siguiente:

“Tengo las expectativas muy altas respecto a esta materia, y me apena que solo la demos durante un cuatrimestre debido a que estoy profundamente interesada en ella. Siento que a mí no me la han impartido del todo bien, por lo que me gustaría mejorar lo que ya sé sobre Plástica para poder enseñárselo correctamente a mis futuros alumnos y que disfruten tanto o más que yo de la asignatura, al mismo tiempo que aprenden su relevancia dentro de la Educación Primaria”.

Yo esperaba que se nos enseñara a dibujar con diferentes técnicas y materiales, pero no solo se ha reducido a eso, sino que, mediante la práctica, he aprendido como sí se han de hacer las cosas respecto a esta asignatura. A pesar de que ha sido breve, ha sobrepasado por mucho las expectativas que ya tenía, y siento que he aprendido muchas de los errores que hay que evitar en las clases de Expresión Artística, así como también a valorar la asignatura a nivel instrumental, ya que, a pesar de que se le presta mayor atención a materias como Matemáticas o Lengua, la Educación Plástica se sigue incluyendo en el currículum de Primaria por algo, y es por el profundo valor que tiene y que puede aportarles a los alumnos. No obstante, para ello, deben tener un buen profesor o profesora que les imparta la materia con total respeto a la misma, evitando caer en estereotipos y dejando que fluya la imaginación de estos, pues solo de esta manera, van a poder tener una buena educación en la asignatura.

Lo que nosotros vamos a intentar conseguir hacer con los carteles, es que todo aquel que lo vea pueda sentirse conmovido y reflexionar acerca de todo lo que estamos permitiendo que ocurra actualmente. Tal vez a nivel individual, una sola persona no consiga apenas cambio, pero si todos aquellos en desacuerdo se unen colectivamente y luchan en conjunto por un mismo fin, sí puede llegar a lograrse el tan ansiado cambio. Ejemplos de esto podemos encontrarlos en el arte: como muchas de las artistas que hemos ido conociendo, se negaban a dejar de participar en el arte por una condición tan irrelevante como su género, sino que utilizando sus obras como herramientas y principal medio de difusión, conseguían que más mujeres se animaran y lucharan por la causa, hasta el momento en el que actualmente nos encontramos, donde las artistas ya no han de esconderse ni utilizar un sobrenombre masculino para poder publicar sus obras sin ser juzgadas, sino que independientemente de tu sexo, tienes completa libertad de expresión y, supuestamente, las mismas oportunidades que un hombre.

Lo que nosotros debemos lograr transmitir a los alumnos, es que no deben mantenerse callados cuando una desgracia social ocurra, sino que, en ese momento más que nunca, deben salir a la calle y reivindicar sus derechos. Del mismo modo, es interesante que les propongamos iniciativas similares a las que hemos hecho en el taller, pues de este modo ellos mismos van a ser conscientes de que el arte no tiene por qué ser bonito, ni una imitación de los modelos que ya conocemos, sino que debe ser conmovedor y lograr que transmita diversas emociones a los espectadores. Son el futuro de la humanidad, y somos nosotros, los docentes, los que debamos transmitirles actitudes de activismo y de absoluto respeto a la diversidad.

La mayoría de artistas que se han ido presentado en clase, eran únicas a su manera, pero Gluck me llamó especialmente la atención debido a su carácter reivindicativo, que, para la eṕoca en la que nació, es completamente inusual. No solo respecto a su manera de presentarse y actuar en sociedad, sino que su obra artística guardaba la misma fiereza y desafío de la autora, pues en todo momento se negó rotundamente a adscribirse a un movimiento, corriente artística o escuela. (Bolaño, E. 2019)

Si esta artista me llamó la atención, es porque puede servir de inspiración y de ejemplo para muchos niños y niñas. A pesar de que la sociedad occidental es infinitamente más tolerante y abierta con las personas del colectivo LGTB, todavía existen muchos prejuicios en torno a esta comunidad. Algunos amigos y conocidos de mi edad, han llegado a confesarme que si tuvieran un hijo gay o transexual, se desentenderían completamente de ellos, que además, ellos si tienen hijos, quieren que sea “normal”. A pesar de que, de puertas afuera, todo el mundo sea respetuoso con la comunidad, si fueran ellos quienes tuvieran a un miembro del colectivo en sus casas, no dudarían en tener actitudes extremadamente homófobas hacia ellos.

No solo debemos presentarle a nuestros alumnos personajes históricos como Gluck para que aprendan a ser absolutamente tolerantes con todo aquello que es diferente a lo socialmente canónico, sino que también hemos de dar a conocer a este tipo de personas para que, todos aquellos que tengan miedo de presentarse en sociedad tal y como ellos quieren, puedan encontrar en personas como Gluck un referente en el que fijarse que les ayude a ser quienes ellos realmente quieren ser. La sociedad está llena de personas “normales”, por lo que hemos de darle visibilidad a lo “diferente” para también, poder hacer que los niños comprendan que todo tiene cabida en este mundo. Solo así, conseguiremos la equidad y la igualdad social.

• Referencias bibliográficas:

Bolaño, E. (2019). Gluck. HA! https://historia-arte.com/artistas/gluck

Gluck. (1937). Medallón [Autorretrato]. HA!

Lo primero que es necesario decir, es que los carteles han cumplido y cumplen un importante papel como medio de comunicación, en el que el mensaje que se retransmite está estrechamente relacionado al contexto en el que ha sido producido, dando referencias sobre el mismo. Es por ello que no solo tiene un obvio valor artístico, sino que también aporta información de tipo sociológico, económico o político sobre una época. (Garriga-Nogues, R. G. 2008) Lo que estos carteles tan controversiales pretendían, era saturar al pueblo de imágenes políticas que convencieran a unos de la ideología de otros.

A pesar de la importancia que tuvo el cartel político a partir de la I Guerra Mundial, a mí me gustaría centrarme sobre todo en los carteles de la Guerra Civil Española, pues fue uno de los momentos más intensos de manifestación pública destinada al pueblo, en el que se transmitían principalmente dos mensajes: la implantación del odio al enemigo o la manifestación de esperanza en la victoria. (Moya-Arias, F. M. 2020)

Quizás el más reconocido cartel desde el bando republicano, es aquel que proclamaba: ¡No pasarán! Uno de los gritos que más se escuchó desde el bando socialista durante la guerra civil. Aquí, el autor, que se mantuvo en el anonimato, intenta que las letras se asemejen a la sangre derramada. El fondo es completamente amarillo, un color llamativo que, posiblemente, pretende que los transeúntes se fijen en él y capten todos los mensajes que en él se lanzan. Se ve como, además, los soldados no son exclusivamente hombres, sino que hay una mujer dentro de las filas, que hace referencia a como en el bando republicano, las mujeres no deben quedar relegadas al cuidado de los niños o de la casa, sino que en ese momento, ellas también debían colaborar y luchar por la causa que les concernía. 

En este nuevo cartel, proveniente del bando nacional, se pueden apreciar significativas diferencias respecto al anterior cartel. Podemos ver como la gama cromática es ciertamente similar, pero en este caso es más en relación a los colores de la bandera española. No obstante, debido a la viveza de estos, consigue llamar la atención de cualquiera que lo ve. Es uno de los inicios de la bandera franquista, que toma el símbolo de armas de los Reyes Católicos. Asimismo, en contraste con el fondo, vemos a tres personas vestidas de azul: un soldado falangista, una mujer sosteniendo un ramo de flores y un hombre haciendo el saludo falangista. Además, vemos un león que ocupa un tercio del total del cartel, aclamando: Ha llegado España.

En definitiva, este cartel, obra del pintor catalán Josep Morrell, ciertamente representa todos los valores que el franquismo defendía: la disciplina, obediencia, el catolicismo y, sobre todo, la exaltación nacional. Respecto al valor de la mujer, se puede ver que, a diferencia del anterior cartel, que figuraba como una de las militantes del bando socialista, en esta ocasión está representada a la derecha de los hombres, relegada a un segundo plano y sujeta a los triunfos masculinos. En cierto modo, también es una fiel representación del valor que tendrá la mujer dentro del régimen franquista.

El propósito de esta tarea era crear, con total libertad, un cartel que claramente lanzara un mensaje de concienciación contra la guerra, así como de educación en valores. La mayoría de personas, tenían un boceto físico sobre el que trabajar, pero yo realmente no sabía cómo materializar mis ideas, por lo que, a pesar de que tenía una idea más o menos definida, no realicé en ningún momento un boceto. Asimismo, quería que tuviera relación con la infancia, y con lo mucho que puede llegar a destruirla una guerra, así como las repercusiones que tiene en la educación.

El resultado final es este. El fondo es de colores pastel, suaves, con la intención de representar la inocencia y la dulzura de una infancia normal. Asimismo, planté mi mano varias veces en la hoja para representar una de las actividades que solemos realizar todos durante nuestra niñez, que es pintarse la mano y plasmarla en un papel o cartulina para ver su pequeñez, o percibir su forma. Lo que quería conseguir, es que diera una primera impresión de la ingenuidad y el candor infantil.

Asimismo, en una sesión diferente, comencé a pegar los dibujos que tenía pensado incluir dentro del cartel. El primero de ellos, el de la esquina superior izquierda, es un dibujo en el que inicialmente ponía back to school, pero para simbolizar como las guerras afectan directamente a la educación, y consiguen que muchos niños se pierdan una parte fundamental de su etapa educativa, por lo que taché las palabras back to, y las sustituí por where’s, simbolizando de una manera muy directa ese cambio repentino en el que, pasan de ir todos los días a la escuela, a tener que evitarla para poder mantenerse con vida, o a que sea destruida y ya no tengan un sitio donde continuar su educación. En el centro de la imagen, por otra parte, incluí el personaje imaginario actuando como si fuera un juguete, y lo manché de colores oscuros, intentando simbolizar de nuevo esa pérdida abrupta de la infancia y la inocencia.

Por último, en la esquina inferior derecha hay un dibujo infantil que está roto, está rasgado en varios trozos y se ha intentado reconstruir, pero no ha sido posible porque faltan piezas y las que hay, no coinciden con las otras. De nuevo, es el vivo reflejo de como una guerra deja unas brechas y unas heridas internas muy profundas que no son capaces de ser reconstruidas, y que dejan una profunda huella en su adultez.

Hay varios tachones y manchas de colores en tonos muchísimo más oscuros que los empleados en el fondo, y es que con ello, quería que se produjera una perturbación y un gran contraste entre el fondo y las manchas. Asimismo, se asemejan a tachones infantiles, pero al estar hechos en tonos rojos y azules, podrían simbolizar la sangre y las lágrimas que caracterizan la guerra.

En la clase de hoy, surgió en cierto momento el concepto del cómic y su uso en las aulas de Primaria, por lo que decidí investigar más acerca de ello ya que, como alumna, he realizado cómics y considero que pueden ser de mucha utilidad en el aula para trabajar diversos contenidos, por lo que he decidido investigar acerca de ello y de como yo, como futura docente, puedo emplear este recurso.

Primeramente, es necesario decir que los pacientes con Alzheimer sufren un deterioro cognitivo que afecta principalmente a las neuronas del hipocampo y la corteza visual. Esto ocasiona que se produzca una alteración en la percepción de la visión cromática y la sensibilidad al contraste, así como una pérdida para poder percibir la profundidad y el movimiento. (Moncayo Pineda, J. 2015) Sin embargo, este deterioro no afecta inicialmente a la capacidad motora de los pacientes de Alzheimer, por lo que pueden seguir dedicándose durante años a actividades mentalmente estimulantes como son la pintura o los instrumentos. Es por ello que se han querido hacer estudios acerca de los colores que utilizan los pacientes de Alzheimer, así como el impacto que tiene en ellos, y a pesar de que no he encontrado una relación muy significativa entre el uso del amarillo y la enfermedad, sí que los pacientes diferencian mejor los contrastes con colores rojos y amarillos, en contraposición a otros colores más fríos como son el azul o el morado, donde el contraste es menor y tienen mayores problemas a la hora de diferenciarlos.

En otros estudios, se ha intentado ver la elección de color de pacientes de enfermedades mentales y cognitivas mediante el test de Lüscher y, generalmente, las personas con condiciones psiquiátricas suelen preferir colores tales como el rojo o el amarillo, mientras que personas deprimidas o con ansiedad rechazan este último color y suelen optar más por el uso del verde, así como las personas psicóticas escogen el negro. No obstante, las personas con Alzheimer no parecen mostrar predilección por ningún tipo de color. (Maserati, S. M. 2019).

Asimismo, existe un reconocido artista que fue enfermo de Alzheimer y ciertamente en sus cuadros, normalmente autorretratos, sí que se puede apreciar un fuerte uso del color amarillo. Este artista es William Utermohlen, quien nunca dejó de dibujar a pesar de haber sido diagnosticado con Alzheimer en 1995 y es en sus obras donde se retrata con precisión la terrible y triste degeneración mental que provoca la enfermedad. Ya desde el primer autorretrato, se puede ver cómo la obra va perdiendo realismo, emoción y detallismo. (Chacón-Palomares, M. 2018).

No solo se puede apreciar el uso del amarillo que hace en la etapa más temprana de su enfermedad, sino que se ve a simple vista la crueldad de la enfermedad y cómo hace que la percepción de sí mismo sea cada vez más deformada, dejándolos con la penúltima y última imagen, donde ya apenas puede situar los rasgos faciales más característicos, haciendo manchas, líneas, y borrones en sustitución a su rostro. Asimismo, la visión que tiene de sí mismo es cada vez más aturdida y triste, apreciándose la inexorable pérdida del yo. Lo que a mí me transmite esta serie es miedo y a la vez, mucha tristeza, ya que todos tenemos familiares y/o conocidos que estén sufriendo esta cruda enfermedad y a pesar de que muchas veces parezcan idos completamente, como si no estuvieran presentes, en su interior deben estar aterrorizados, como también refleja esta serie de cuadros. Hemos de acompañarlos a pesar de que no sean del todo conscientes de sí mismos o del entorno que les rodea, ya que la enfermedad es ya lo suficientemente dura, por lo que han de sentirse acompañados y queridos en sus momentos de lucidez para poder lidiar y hacerle frente al Alzheimer.

• Referencias bibliográficas:

Chacón-Palomares, M. (2018). Autorretratos con Alzheimer - William Utermohlen. HA! https://historia-arte.com/obras/autorretratos-con-alzheimer

Maserati, S. M. (2019). Color Choice Preference in Cognitively Impaired Patients: A Look Inside Alzheimer’s Disease Through the Use of Lüscher Color Diagnostic. Frontiers. https://www.frontiersin.org/articles/10.3389/fpsyg.2019.01951/full

Moncayo Pineda, J. (2015). Color y Sensibilidad al Contraste en Alzheimer.

Calisti, T. (2015). Utermohlen [Collage]. https://arthemira.files.wordpress.com/2015/07/e57989_utermohlen.jpg?w=300&h=240

Para empezar, es esencial recalcar el efecto que tiene la enseñanza del arte, puesto que, como hemos visto en otras sesiones, los dibujos son uno de los principales medios de comunicación de los niños, pero independientemente de esto, el enseñarles a ser expresivos mediante la libre experimentación permite que desarrollen y aprovechen las diversas potencialidades y habilidades en ambos hemisferios del cerebro. De este modo el colegio no solo les enseña a ser productivos, sino también promueve que la mente esté sana, feliz y que pueda ser eficaz en el compromiso social y personal. (Barbero Franco, A. M., Caeiro Rodríguez, M., da Silva López, A., García Cuesta, J., González Menéndez, A., Muñiz De La Arena, A., Torres Pérez, A., & Andueza Olmedo, M. 2016).

Gracias a la lucha de varias generaciones de mujeres, a día de hoy esas muchas de esas artistas que en vida se tuvieron que esconder o de cuyo trabajo se adueñaron, por fin tienen un nombre y un lugar en la Historia del Arte. Y es que, la mujer siempre ha sido considerada como musa; material de inspiración para los hombres, pero en el momento en el que son ellas las que se posicionan detrás del caballete, es entonces cuando pierden todo su valor, sin embargo, como dijo una vez la escritora juvenil Bebi Fernández: No soy la musa de nadie. Soy la que se escribe a sí misma. 

Creo que tareas como las que hemos hecho en clase de investigar el trabajo de mujeres artistas son iniciativas esenciales para educar en igualdad. Nosotros como futuros profesores, debemos tener en consideración lo importante que es hacer que tanto niños como niñas se sientan igual de capaces y competentes para emprender una tarea. Yo personalmente, intentaré impulsar iniciativas similares a las que hemos trabajado en clase por esto mismo: no podemos permitir que las niñas que tengamos en clase se sientan incapaces de hacer algo por algo tan trivial como su género y es necesario recordarles que pueden ser musas, pero también artistas.

• Referencias bibliográficas:

Fernández, B. [@bebi_fernandez]. (2018, 2 julio). No soy la musa de nadie. Soy la que se escribe a sí misma. [Tweet]. Twitter. https://twitter.com/bebi_fernandez/status/1013904231596789761

Esa curva, se conoce como la curva praxiteliana. Su origen se remonta al siglo IV a. C. en Grecia, de mano del renombrado Praxíteles, cuyas esculturas gozaban de una gran fama y reconocimiento. Este famoso escultor estaba constantemente intentando innovar su arte y llevarlo al siguiente nivel y, en una de esas ocasiones, quiso darle un mayor movimiento y dinamismo a una de sus obras y, accidentalmente, en uno de sus tantos estudios corporales, logró crear la famosa curva.

La curva praxiteliana es una pose natural relajada que se logra cuando el peso del cuerpo del personaje se sostiene en una sola pierna mientras que la otra sirve como un elemento de balance, pero no en un estado de reposo, sino que parece estar en movimiento para seguir dando pasos y traspasar el peso a esa pierna. (Fernández, Tomás y Tamaro, E. 2004) La primera vez que se observó esta posición en una escultura fue en su obra Apolo Sauróctonos, que se puede encontrar en el Louvre, pero también lo aplicó en otras de sus esculturas como Afrodita Cnidia.  

No obstante, la curva praxiteliana es ciertamente una postura más exagerada del contraposto, postura en la que la cadera de la pierna que pisa está más elevada, mientras que el hombro de ese lado está más inclinado. La postura en contraposto trata de crear movimiento en el cuerpo (Ockeghem, J, Dufay, G, & Isaac, H). Esta postura escultórica se popularizó a mediados del siglo XIII, en pleno arte gótico. Si bien este arte estaba más centrado en el desarrollo de estructuras arquitectónicas, las fachadas de estos edificios normalmente estaban decorados por multitud de estatuas. Las esculturas son más naturales; se acercan más a lo que es un cuerpo humano real. Asimismo, se les quiere dotar de mayor “expresividad” y a pesar de que los rostros son hieráticos, se comienza a ver un intento de dinamismo a partir del uso del contraposto, como sucede con la figura de la virgen y el niño, donde se puede ver como con el empleo de la postura, la virgen cobra un mayor realismo y da la sensación de vida y movimiento.

• Referencias bibliográficas:

Binski, P. (2018). The Gothic Line of Beauty: Motif and Medieval Aesthetics/La Línea de la Belleza en el Gótico: motivos y estética medieval. Quintana, 16 51-78. https://doi.org/10.15304/qui.16.5593

Banksy es posiblemente el artista callejero más famoso de nuestra época. No se conoce su identidad, ni si es solo una persona o son varias actuando bajo el mismo pseudónimo. Lo que sí se sabe es que sus pinturas no solo están hechas en nombre del arte, sino que con cada uno de sus graffitis hace activismo y denuncia situaciones de extrema precariedad en nuestra sociedad; normalmente en crítica a nuestro sistema económico, el capitalismo. Con sus murales, quiere provocar a la gente y hacer que se sientan incómodos. 

Sus pinturas comienzan a aparecer en la década de los 80 en Bristol, Inglaterra, la que se cree que es su ciudad natal, pero se ha extendido a grandes ciudades como Viena, París, San Francisco e incluso Barcelona. A pesar de que su identidad es anónima, se le atribuye la autoría de los graffitis cuando los sube a su página web oficial, https://www.banksy.co.uk/out.html. 

Como bien he mencionado antes, Banksy quiere conseguir la incomodidad social mediante mensajes crudos y críticos, pero en su obra hay motivos que se repiten como las ratas, ya que dice que serán los únicos animales que sobrevivirán cuando desaparezcan los humanos. (Moriente, D. 2015) Se puede observar en la primera imagen, donde dos ratas aparecen vestidas como señoritos de la alta sociedad parisina del siglo pasado. Es la simbolización de lo antes mencionado, de como las ratas serán las que ocupen el lugar de los humanos cuando nosotros, por egoísmo, terminemos con la humanidad.

También, en la siguiente obra, organizada en dos planos, podemos ver como en uno hay un niño jugando con lo que parece nieve, pero en el siguiente vemos que son cenizas provenientes de una hoguera. Otro de los motivos que aparecen mucho en sus obras, son los niños. Niños cuya infancia se está viendo amenazada por intereses económicos de la coyuntura social actual. Concretamente esta obra podría hacer referencia a como por la contaminación y la falta de conciencia sostenible, estamos poniendo en riesgo el futuro del planeta y de las venideras generaciones.

Banksy es un artista ideal para transmitir mensajes de concienciación, por lo que considero que el proyectar algunas de sus obras en las aulas y analizarlas podría ayudar a que los alumnos tomen conciencia de ciertas situaciones en nuestra sociedad que debemos cambiar inmediatamente. Es esencial enseñarles a los alumnos a tener un pensamiento crítico frente actitudes que ocurren día a día que son completamente injustas, solo así podremos crear el cambio.

• Referencias bibliográficas:

Banksy. (s. f.). Banksy. https://www.banksy.co.uk/out.html

E.C. [Experiencias con Arte]. (2020a, enero 23). ¿Quién es Banksy? [Vídeo]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=Rnosr2MuASU&feature=youtu.be