Portafolio de Nerea Acosta

Al iniciar con la materia, se nos lanzó la pregunta acerca de cuál había sido nuestro recorrido artístico hasta ese mismo momento, y yo, personalmente, no consideraba que mis profesoras lo hubieran hecho excesivamente mal, pero ahora que ha finalizado la asignatura, sí que he percibido muchos errores que yo, como futura docente, intentaré subsanar para que los alumnos valoren Educación Plástica como una asignatura más, y no como una hora de relajación; o una asignatura con carácter manual. (Maíllo Cascón, F. 2022). 

Centrándome sobre todo en Primaria, mis profesoras nos hacían comprar un libro que incluía actividades en las que había que imitar dibujos famosos, o partir desde la mitad del dibujo hecho. Ahora que lo pienso, esas actividades lo único a lo que nos ayudaban, era a recrear un modelo ya establecido, así como a aprender los estereotipos artísticos que se han considerado canónicos, pero yo creo que si algo he aprendido con esta asignatura, es que saber recrear estos estereotipos no te hace un buen artista, sino que te hace un buen imitador. Está bien tener una referencia, pero en mi opinión, es necesario dejar volar la imaginación y confiar en tus capacidades e ideas. A lo largo de las sesiones prácticas de esta materia, no hemos aprendido esencialmente a dibujar como tal, sino que, utilizando diversas técnicas, materiales, soportes y referencias, hemos plasmado en el papel nuestras ideas de la manera que nosotros hemos querido representarlas. En toda ocasión hemos tenido libertad y, sobre todo, hemos potenciado y explotado nuestra capacidad expresiva mediante el arte.

Asimismo, he de decir que mis profesoras, calificaban nuestras láminas y manualidades en función a cómo de bien hechas estaban, bajo el criterio de las docentes. Es decir, si el dibujo que habías hecho se parecía a lo que en el libro figuraba como referencia, obtenías una mayor nota que no alguien que hubiera recreado el dibujo peor. En esta asignatura, nunca se nos ha dicho que lo que estábamos haciendo estuviera bien o mal; nunca ha estado centrada en destacar esos elementos, sino que buscaba que “desaprendiéramos” esos modelos de copia que nos habían inculcado en Primaria.

Como objetivo y expectativas de lo que buscaba en la asignatura, mencioné lo siguiente:

“Tengo las expectativas muy altas respecto a esta materia, y me apena que solo la demos durante un cuatrimestre debido a que estoy profundamente interesada en ella. Siento que a mí no me la han impartido del todo bien, por lo que me gustaría mejorar lo que ya sé sobre Plástica para poder enseñárselo correctamente a mis futuros alumnos y que disfruten tanto o más que yo de la asignatura, al mismo tiempo que aprenden su relevancia dentro de la Educación Primaria”.

Yo esperaba que se nos enseñara a dibujar con diferentes técnicas y materiales, pero no solo se ha reducido a eso, sino que, mediante la práctica, he aprendido como sí se han de hacer las cosas respecto a esta asignatura. A pesar de que ha sido breve, ha sobrepasado por mucho las expectativas que ya tenía, y siento que he aprendido muchas de los errores que hay que evitar en las clases de Expresión Artística, así como también a valorar la asignatura a nivel instrumental, ya que, a pesar de que se le presta mayor atención a materias como Matemáticas o Lengua, la Educación Plástica se sigue incluyendo en el currículum de Primaria por algo, y es por el profundo valor que tiene y que puede aportarles a los alumnos. No obstante, para ello, deben tener un buen profesor o profesora que les imparta la materia con total respeto a la misma, evitando caer en estereotipos y dejando que fluya la imaginación de estos, pues solo de esta manera, van a poder tener una buena educación en la asignatura.

El propósito de esta tarea era crear, con total libertad, un cartel que claramente lanzara un mensaje de concienciación contra la guerra, así como de educación en valores. La mayoría de personas, tenían un boceto físico sobre el que trabajar, pero yo realmente no sabía cómo materializar mis ideas, por lo que, a pesar de que tenía una idea más o menos definida, no realicé en ningún momento un boceto. Asimismo, quería que tuviera relación con la infancia, y con lo mucho que puede llegar a destruirla una guerra, así como las repercusiones que tiene en la educación.

El resultado final es este. El fondo es de colores pastel, suaves, con la intención de representar la inocencia y la dulzura de una infancia normal. Asimismo, planté mi mano varias veces en la hoja para representar una de las actividades que solemos realizar todos durante nuestra niñez, que es pintarse la mano y plasmarla en un papel o cartulina para ver su pequeñez, o percibir su forma. Lo que quería conseguir, es que diera una primera impresión de la ingenuidad y el candor infantil.

Asimismo, en una sesión diferente, comencé a pegar los dibujos que tenía pensado incluir dentro del cartel. El primero de ellos, el de la esquina superior izquierda, es un dibujo en el que inicialmente ponía back to school, pero para simbolizar como las guerras afectan directamente a la educación, y consiguen que muchos niños se pierdan una parte fundamental de su etapa educativa, por lo que taché las palabras back to, y las sustituí por where’s, simbolizando de una manera muy directa ese cambio repentino en el que, pasan de ir todos los días a la escuela, a tener que evitarla para poder mantenerse con vida, o a que sea destruida y ya no tengan un sitio donde continuar su educación. En el centro de la imagen, por otra parte, incluí el personaje imaginario actuando como si fuera un juguete, y lo manché de colores oscuros, intentando simbolizar de nuevo esa pérdida abrupta de la infancia y la inocencia.

Por último, en la esquina inferior derecha hay un dibujo infantil que está roto, está rasgado en varios trozos y se ha intentado reconstruir, pero no ha sido posible porque faltan piezas y las que hay, no coinciden con las otras. De nuevo, es el vivo reflejo de como una guerra deja unas brechas y unas heridas internas muy profundas que no son capaces de ser reconstruidas, y que dejan una profunda huella en su adultez.

Hay varios tachones y manchas de colores en tonos muchísimo más oscuros que los empleados en el fondo, y es que con ello, quería que se produjera una perturbación y un gran contraste entre el fondo y las manchas. Asimismo, se asemejan a tachones infantiles, pero al estar hechos en tonos rojos y azules, podrían simbolizar la sangre y las lágrimas que caracterizan la guerra.

En la clase de hoy, surgió en cierto momento el concepto del cómic y su uso en las aulas de Primaria, por lo que decidí investigar más acerca de ello ya que, como alumna, he realizado cómics y considero que pueden ser de mucha utilidad en el aula para trabajar diversos contenidos, por lo que he decidido investigar acerca de ello y de como yo, como futura docente, puedo emplear este recurso.

Como estrategia didáctica, los mapas mentales son de gran utilidad a la hora de recuperar, asimilar y relacionar conceptos con el fin de interiorizar y reconstruir el aprendizaje. Además, cabe destacar que este tipo de herramienta permite efectuar tareas relacionadas con la actuación lógica, como son la selección, organización y jerarquización de conceptos; así como análisis de frases, las cuales están vinculadas con el empleo del hemisferio izquierdo del cerebro. No obstante, implica también el uso del hemisferio contrario, ya que, la parte creativa de los mapas mentales conlleva crear estructuras gráficas, combinar conceptos, usar el color y la imagen… De esta manera, todo el proceso de creación de los mapas mentales favorece el uso del cerebro en su totalidad, favoreciendo que el estudiante tenga un mayor rendimiento a la hora de aprender, así como fomenta el aprendizaje significativo y su memorización a largo plazo, ya que, mediante el color, la imagen y la propia estructura gráfica, se refuerza la memoria comprensiva.  (Muñoz González, J. M., Ontoria Peña, A. & Molina Rubio, A. 2011)

Es una herramienta muy útil para el estudio ya que como se ha mencionado anteriormente, no solo refuerza la memoria comprensiva, haciendo que los contenidos se calen más en la mente del alumno y se recuerden mejor; sino que además da la posibilidad de sintetizar las ideas principales referentes a un tema partiendo de una palabra clave; de esta forma, el estudiante adquiere lo que yo denominaría el “esqueleto” del tema a estudiar. Una vez aprendido esto, desarrollar las ideas se vuelve una tarea más sencilla por lo que, por ejemplo, para estudiar de cara a un examen, podría ser de gran utilidad; tanto para economizar el tiempo como para estudiar de una manera más eficaz y provechosa.

Para la asignatura de Educación Plástica en la Educación Primaria, hemos puesto en práctica el concepto de mapa mental realizando uno acerca de la artista asignada; en mi caso, es María Helena Vieira Da Silva, y el enlace para poder ver la presentación, es el siguiente: https://prezi.com/view/3NMOHMNDZxRgj6vLTk53/ 

• Referencias bibliográficas:

Buzan, T. & Buzan, B. (1993). The Mind Map Book. London: BBC Books. Versión en español: El libro del mapa mental (1996). Barcelona: Urano.

Muñoz-González, J. M., Ontoria-Peña, A. & Molina-Rubio, A. (2011). El mapa mental, un organizador gráfico como estrategia didáctica para la construcción del conocimiento. magis, Revista Internacional de Investigación en Educación, 3 (6), 343-361.

Por lo que me explicó, fue un dibujo que tuvo que hacer para un concurso de su colegio, sin embargo, no se acuerda del curso en el que estaba, pero podríamos situarlo en la etapa esquemática, entre los 7 y 9 años. Ya no está en la etapa del yo, donde se representa a sí mismo de una manera egocéntrica, sino que se encuentra en la etapa del nosotros: ya no se ilustra a sí mismo como el elemento central del dibujo, sino que ni siquiera se dibuja a sí mismo, traza la escena de una película que vio en clase. 

Además, otro de los elementos clave de esta etapa que también podemos ver dentro de este dibujo es el esquema propio de mi hermano: dibuja hierba, piedras y árboles a su modo, sin seguir ningún esquema estereotipado, sino que confía en su propio instinto y conocimiento; así como tiene muy clara la relación entre objetos y colores: vemos que la hierba y la copa de los árboles las colorea verdes, o la cuerda la hace de color marrón porque relaciona correctamente estas variables. Además, sigue el mismo método para representar a todas las figuras humanas de esta imagen, basado sobre todo en su desarrollo mental, el cual nos indica que tiene una imagen ciertamente realista del cuerpo humano, además de simbolizar otra de las características de esta etapa: la repetición y la ilustración en hilera.

Por último, cabe destacar que se puede observar que tiene amplias nociones sobre cómo se distribuye el espacio, y esto se traslada directamente a sus ilustraciones: en primer plano, y a una mayor altura porque está haciendo equilibrio sobre una cuerda, encontramos a la figura central representada con mayor tamaño, y al resto, en el suelo, a un menor tamaño porque se encuentran en diferente plano. Asimismo, podemos ver donde se encuentra el límite entre el cielo y la tierra. El único elemento que no podemos ver es la representación de tiempo y espacio en una misma ilustración, pero esto es debido a que representa una escena en específico de la película. Si fuera un dibujo propio, sin tener ninguna referencia, es muy probable que representara varias escenas al mismo tiempo, debido sobre todo al estadio en el que se encontraba al realizar este dibujo.

• Biografía

Vieira Da Silva, M. E. (1930). Autorretrato.

María Elena Vieira Da Silva nació en Lisboa el 18 de junio de 1908, y a la temprana edad de 11 años, comenzó su formación artística en la Academia das Belas Artes, en Lisboa, sin embargo, en 1928, se traslada a París, donde se matricula en la academia de la Grande-Chaumiere porque, inicialmente, muestra un fuerte interés por la escultura, pero finalmente se decantó por la pintura, lo que la lleva a centrarse más en esta modalidad. 

En 1930, se casa con el pintor húngaro Arpad Szenes, con el que produce conjuntamente obras de muy diversas naturalezas, realizando su primera venta en 1934, durante su primera exposición de arte. A pesar de que su carrera estaba en un punto culmen, en 1935 el matrimonio se instala en Lisboa, pero por proximidad del conflicto bélico, cinco años más tarde se ven obligados a trasladarse a Brasil, donde Vieira Da Silva tuvo contacto con muchos intelectuales de la época a la vez que organizó exposiciones que consiguieron ganar el afecto y el gusto de los brasileños por su obra.

National Portrait Gallery London. (s. f.). María Helena Vieira Da Silva [Fotografía]

En 1947, el matrimonio vuelve a residir en París y Lisboa alternativamente. Durante toda la década de los 50, se dedica a exponer sus obras de manera periódica en la galería de Jean Boucher en París. A su vez, la pintora llega a recibir varias distinciones gracias a su arte, como en la Bienal de Sao Paulo, la Bienal de Caracas y en el Stedelijk Museo de Amsterdam.

En 1956 adquiere la nacionalidad francesa, pero continuará visitando con frecuencia la capital portuguesa, y en 1960 llega a ser nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 1963 recibe el Gran Premio Nacional de las Artes en París, durante el resto de los 60, llega a realizar numerosas exposiciones, tanto a nivel nacional como a nivel internacional. Por último, en 1970 es nombrada por su país natal como miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes con el fin de reconocer el valor de sus obras. Continuará recibiendo distinciones y realizando exposiciones hasta el momento de su muerte, en 1992. Actualmente, muchas de sus obras residen en el Museo Solomon R. Guggenheim, en Nueva York, además de en el Tate, en Londres.

• Estilo artístico

La obra de Vieira Da Silva se inscribe dentro del paisajismo abstracto. Sus pinturas son muy reconocibles por dos elementos: la construcción metódica de superficies mediante la acumulación de pequeñas líneas y formas geométricas y su constante interés de crear y representar espacios con dichas formas. Asimismo, sus pinturas ciertamente unen el elemento cultural y artístico portugués de los azulejos y los paisajes; con las refinadas formas y expresiones del arte moderno francés.

La etapa más temprana de su arte fusiona varios recursos del cubismo, futurismo y constructivismo, fuertemente influenciada por Paul Klee ya que, al igual que este, representa su propio universo de manera poética, utilizando la gradación y yuxtaposición cromática. Dentro de esta primera etapa, comienza a reflejar la sensibilidad que destacará dentro de su madurez artística. Como ejemplo de su más temprana obra, destaca A Partida de Xadrez (1943). No obstante, su obra sufre un punto de inflexión en 1948 donde se da paso a su estilo de madurez, más marcado por la utilización de perspectivas geométricas más complejas, compuestas por manchas de color que terminan por crear un conjunto irreal donde no existe un punto de vista fijo.

A partir de la década de los 50, el tema principal de sus obras será el ambiente de posguerra, el cual representará mediante ciudades quemadas o inundadas, callejones y paisajes varios, muchos de ellos ambientados en el atardecer. Asimismo, también muestra especial interés en las bibliotecas, el ajedrez y los naipes; temas que, definitivamente, serán recurrentes hasta el final de su carrera. Algunos ejemplos de este tipo de arte, se ven reflejados en composiciones como Les façades éboulées (1957) y Vielle Amérique (1958).

Vieira Da Silva, M. E. (1943). A Partida de Xadrez [Ilustración]

En obras de mayor madurez, simplifica el dibujo y reduce drásticamente su gama cromática, reduciendo los colores a uno o dos por lienzo, como ocurre en su obra L'Eclair (1965).

Posiblemente, una de sus obras más conocidas sea A Partida de Xadrez (1943), adquirida por el Estado francés. Aquí se refleja bien el estilo de la autora: como a través de pequeñas piezas geométricas conforma un gran mosaico. Esta obra se encuadra dentro de su estilo de juventud, dado a que el punto central del cuadro se identifica con mayor facilidad.

No obstante, la obra de Vieira Da Silva que más me llama la atención es The Corridor (1950). Me parece una obra tranquilizadora y a la vez tétrica. Aquí la artista pretende, mediante la repetición de formas geométricas, crear una representación de un pasillo, y a pesar de que los colores sean relativamente suaves, existe algo ciertamente inquietante en este cuadro que no lo hace bello, sino que lo acerca más a la estética de lo sublime. Las líneas que se deforman y las diferentes sombras que se pueden apreciar en este cuadro hacen de esta obra todo un festín de emociones, cada cual más perversa y retorcida que la anterior.

Vieira Da Silva, M. E. (1950). The Corridor [Ilustración].

Mientras que quizá, A Partida de Xadrez me transmite orden, belleza y tranquilidad, The Corridor me transmite soledad, inquietud y angustia.

El arte siempre ha estado muy relacionado con lo estéticamente placentero y lo bello, sin embargo, las composiciones de este calibre, a pesar de que me transmitan peores sensaciones, me hacen estar más interesada en la obra y el motivo detrás de su origen: por qué la pintó, con qué fin…

Asimismo, la abstracción de esta obra permite que cada persona la interprete con su propio criterio, lo que a su vez la hace más polifacética y, en mi opinión, más interesante.